완벽한 믹스를 위한 모든 요소의 균형을 맞추는 방법

출처 : https://emastered.com/blog/balancing-levels

음악 믹싱을 배우는 것의 장점은 자신만의 독특한 공식을 만들어낼 수 있다는 것입니다. 즉, 아티스트나 오디오 엔지니어로서 당신을 식별하고 당신을 돋보이게 할 음향 팔레트를 만드는 데 도움이 되는 음향적 특징입니다. 하지만 이 모든 것에 앞서, 오디오 믹싱에는 확고하지는 않지만 확실히 보다 전문적인 사운드를 얻는 데 도움이 되는 몇 가지 규칙이 있습니다.

일부 팁은 워크플로를 간소화하는 데 도움이 되도록 설계되었으며, 다른 팁은 모든 재생 시스템에서 음악이 훌륭하게 들리도록 보장합니다. 이러한 모든 권장 사항의 공통점은 믹싱하는 동안 현실 확인 역할을 하며, 조정을 할 때 안내하고 의식적인 결정을 내리는 데 도움이 된다는 것입니다. 자신의 음악이나 다른 아티스트의 작품을 작업하든 말입니다.

모든 사운드 엔지니어는 오디오를 믹싱할 때 무엇이 ​​중요하고 무엇이 중요하지 않은지에 대한 각자의 이론을 갖고 있을 것입니다. 하지만 아래에서는 스타일, 장르, 경험에 관계 없이 전문적인 믹스를 만들 때 따라야 할 규칙이라고 생각하는 내용을 찾을 수 있습니다.

장르 이해

자신의 음악을 믹싱한다면, 제작하는 음악 장르에 익숙하다고 가정하겠습니다. 하지만, 장르를 넘나드는 여러 아티스트와 함께 작업하는 오디오 엔지니어라면 상황이 다를 수 있습니다.

메탈, 힙합, 팝, 클래식 음악: 각 장르에는 고유한 규칙과 기대되는 사운드가 있습니다. 맹목적으로 따르지 않기로 결정할 수도 있지만, 적어도 알고 있어야 합니다. 기타 솔로는 팝, 소울, 디스코 또는 헤비메탈 곡의 일부이든 완전히 다른 소리가 납니다. 드럼에서 보컬, 신스에 이르기까지 곡의 다른 모든 요소에도 마찬가지입니다.

록과 메탈의 경우, 중음역대에서 레벨의 균형을 맞추는 것은 길고 힘든 작업일 수 있습니다. 팝 음악에서 리드 보컬은 보통 가장 중요한 요소입니다. 힙합과 테크노에서는 킥 드럼이 비트의 주요 원동력이 되어야 합니다. 모든 장르가 고유한 특징을 가지고 있다는 것에 대해 계속 논의할 수 있지만, 믹스에서 중요한 것이 무엇인지 이해하고 식별하여 그에 따라 향상시키는 것은 여러분에게 달려 있습니다.

궁극적인 목표는 항상 청중이 상상하는 것과 일치하는 일관된 사운드를 만드는 것이며, 마스터링 엔지니어에게 보낼 최종 믹스에는 이미 작업 중인 장르의 특성이 반영되어 있어야 합니다.

믹스 조직

믹싱할 때 작업 흐름을 정리하면 시간을 절약하고, 일관된 결과를 얻고, 여러 프로젝트에 맞게 조정할 수 있는 알아볼 수 있는 사운드를 만들 수 있으므로 매번 처음부터 시작하지 않아도 됩니다.

세션을 준비하는 방법은 여러 가지가 있으며, 가장 일반적인 방법으로는 그룹화, 색상 코딩, 트랙 이름 지정, 트랙 폴더 사용, 버스 사용 등이 있습니다.

현악 섹션과 드럼과 같이 유사한 트랙을 그룹화하면 해당 트랙의 레벨과 효과를 조정하기가 더 쉬워집니다. 또한 프로젝트를 시각화하고 개별 트랙을 고유한 요소의 일부로 보는 좋은 방법이기도 합니다.

대규모 프로젝트에서 작업할 때 색상 코딩을 사용하면 게임 체인저가 될 수 있습니다. 믹스의 요소를 구분하는 데 사용할 수 있으며 트랙을 쉽게 찾는 데 도움이 될 수 있습니다. 예를 들어 신디사이저에는 한 가지 색상을 사용하고 기타에는 다른 색상을 사용하고 보컬에는 다른 색상을 사용할 수 있습니다. 다시 한 번 말하지만, 이렇게 하면 한 눈에 무슨 일이 일어나고 있는지 시각적으로 표현할 수 있으며, 여러 프로젝트를 작업하는 사운드 엔지니어라면 매우 중요합니다.

일부 DAW에서는 트랙 폴더를 만들 수 있습니다. 이는 트랙을 계층적 방식으로 그룹화하는 방법으로, 믹스 요소를 체계적이고 깔끔하게 유지하는 데 도움이 될 수 있습니다.

마지막으로, 여러 트랙을 그룹화하고 효과를 모두 적용할 수 있는 가상 채널인 믹스 버스의 중요성을 잊지 마세요. 이를 사용하면 엄청난 시간을 절약할 수 있을 뿐만 아니라 믹스의 일관성에도 긍정적인 영향을 미칩니다.

참조 트랙

이것은 아마도 양질의 믹스를 만들고 싶을 때 가장 중요한 측면일 것입니다. 작업하는 장르뿐만 아니라 고객의 욕구, 취향, 사용 가능한 도구와 일치하는 참조 트랙을 선택하는 것은 사소한 일이 아니지만 필요한 일입니다.

클라이언트와 함께 음악 믹스를 작업할 때는 항상 이전 곡을 참고 자료로 요청하는 것이 좋습니다. 이를 통해 클라이언트가 믹스에서 원하는 균형 유형에 대한 더 명확한 아이디어를 얻을 수 있습니다. 자신이나 클라이언트가 정확히 무엇을 찾고 있는지 알면 클라이언트가 상상하는 것과 일치하는 믹스를 만들 수 있습니다.

믹싱 과정에서 시간을 절약하기 위해 관련 장르, 아티스트, 음악을 탐색하는 데 시간을 투자하세요. 믹스를 다른 사람과 비슷하게 만들 필요는 없지만, 믹싱 과정을 시작하기 전에 청중이 무엇에 익숙한지 아는 것이 좋습니다.

어디서부터 시작할까

믹싱을 시작할 때가 되면 어떤 악기를 먼저 다루어야 할지 궁금할 것입니다. 다시 한 번 말하지만, 이 질문에 대한 명확한 답은 없지만 경험에 따르면 베이스와 드럼부터 시작하는 것이 좋습니다.

이것이 바로 노래의 튼튼한 기초이며, 이를 균형 있게 유지하면 믹스의 주요 요소(기타, 신시사이저, 보컬)를 어디에 배치해야 하는지에 대한 정보에 입각한 결정을 내리는 데 도움이 됩니다.

또한 드럼은 전체 주파수 스펙트럼을 포괄하므로 믹스에서 주파수가 어떻게 작동하는지 "미리보기"할 수 있습니다.

드럼으로 시작한다면, 가장 좋은 선택은 스네어와 킥 드럼에 먼저 집중하는 것입니다. 스네어는 믹스에서 가장 큰 소리가 나는 요소 중 하나여야 합니다. 트랙의 중추이며, 그루브를 정의합니다. 드럼의 다른 모든 요소는 스네어를 중심으로 돌아가야 합니다.

킥 드럼도 거의 마찬가지로 중요합니다. 소리가 커야 하지만 너무 크면 안 됩니다. 스네어의 트랜지언트나 리드 악기를 가리는 일이 생길 수 있기 때문입니다.

다른 모든 것(톰, 심벌즈, 퍼커션)은 스네어와 킥 다음에 나옵니다. 믹스에서 적절한 공간을 주고, 믹스에서 그루브를 이끄는 것을 능가하지 않으면서도 명확하게 들리도록 해야 합니다.

믹스의 다른 요소로 넘어가면서 믹스 깊이를 개선하고 관련된 모든 악기를 미세 조정할 수 있는 방법에 집중하세요. 믹스에 더 많은 요소를 추가할수록 밸런싱 프로세스에서 좋은 사운드를 내기 위해 사소한 조정이 더 필요합니다. 처음에는 압도적일 수 있지만 시간이 지나면서 재미있고 매력적인 프로세스가 되고 믹스하는 모든 트랙에서 고유한 음향적 시그니처를 보게 될 것입니다.

볼륨 먼저, 효과는 그 다음(정적 믹스)

정적 믹스는 믹싱 프로세스의 첫 단계여야 합니다. 제대로 하면 거친 믹스가 되어 후반 작업 효과를 통해 믹스 접착제를 훨씬 더 쉽게 얻을 수 있습니다.

동적 처리, 효과 또는 자동화의 도움 없이 볼륨 페이더와 팬 컨트롤만 사용하여 균형 잡힌 믹스를 달성해 보세요. 이 기본 균형은 트랙에서 균형과 거친 ​​스테레오 이미지를 만드는 데 도움이 되며, 나중에 효과로 향상시킬 수 있습니다.

모든 볼륨 레벨을 0으로 설정한 다음 각 트랙을 하나씩 천천히 믹스에 넣습니다. 볼륨 페이더를 조정하여 각 요소가 믹스에 잘 들어맞는지 확인하고 서로 어떻게 상호 작용하는지에 집중합니다. 패닝을 사용하여 스테레오 필드 내에 요소를 배치하고 주파수 마스킹을 피하면서 각 요소에 고유한 공간을 제공합니다.

최종 정적 믹스는 곧 발매할 앨범의 원곡과 같은 사운드가 나와야 합니다. 모든 볼륨이 완벽한 균형을 이루어야 하며, 각 악기는 사운드 스테이지에서 각자의 공간을 가져야 합니다.

EQ, 페이더, 압축을 적용하기 시작하면 조정해야 할 가능성이 있습니다. 그럼에도 불구하고 이 기본 믹스는 효과를 통해 사운드를 조각하기 시작하는 데 중요한 시작점이 될 것입니다.

"솔로" 버튼을 잊어버리세요

믹싱은 트랙의 모든 요소 간에 균형과 조화를 이루는 것이 목표이므로, 트랙 작업을 할 때 전체적인 관점을 가지면 최상의 결과를 얻을 수 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

솔로 모드에서 주파수를 조정하면 믹스의 선명도가 떨어질 수 있습니다. 이런 방식으로 EQ를 조정하면 한 트랙이 다른 트랙의 주파수 공간을 "침범"할 수 있고, 단독으로는 이상적으로 보였던 압축 설정이 믹스의 역동성을 손상시킬 수 있습니다.

다시 한번, 제 추천은 볼륨과 패닝 조정을 믹스 문제를 해결하고 동적 균형을 개선하는 주요 도구로 사용하는 것입니다. 노이즈 제거 또는 사소한 EQ 조정에는 솔로가 필요할 수 있지만, 이러한 예외를 고려하고 규칙은 고려하지 마십시오.

헤드룸을 떠나다

헤드룸이란 오디오 신호의 피크 레벨과 디지털 시스템의 최대 한계 사이의 공간을 말합니다.

이 공간은 클리핑을 방지하지만 특히 플러그인을 사용할 때 사운드의 품질과 질감을 정의합니다. 이는 디지털 플러그인이 입력 레벨에 따라 다르게 반응하기 때문입니다. 입력 레벨이 낮을수록 일반적으로 플러그인 내에서 더 반응성 있는 동적 상호 작용이 이루어지고 효과의 투명하고 효과적인 적용이 이루어집니다.

마지막으로, 충분한 헤드룸을 확보하면 클리핑과 원치 않는 디지털 왜곡 아티팩트를 방지하고 트랙의 역동성을 향상시킬 수 있습니다. 경험에 따르면 믹싱할 때 3~6dB의 헤드룸을 남겨야 합니다.

조용한 청취

우리가 음악을 낮은 볼륨으로 들을 때, 우리의 귀는 주파수 스펙트럼의 극저음과 고음에 덜 민감합니다. 재생 볼륨이 증가함에 따라, 우리는 고음과 저음을 고르게 듣기 시작합니다. 매우 낮은 볼륨으로 팝송을 들어보세요: 보컬은 여전히 ​​선명하게 들리지만 베이스 라인은 거의 들리지 않는다는 것을 알아차렸습니까?

따라서 믹스가 낮은 볼륨에서 충만감과 선명함을 얻을 수 있다면, 그것은 균형이 잘 잡힌 것입니다. 반면에 믹스가 높은 볼륨에서는 균형 잡혀 들리지만 볼륨을 줄이면 선명도와 응집력을 잃는다면, 그것은 믹스 내의 요소들의 상호작용에 문제가 있다는 것을 의미합니다.

마지막으로, 모든 페이백 시스템에서 잘 작동하고 다이나믹한 범위와 표현력을 유지하는 훌륭한 믹스를 만들려면 낮은 볼륨에서 듣는 것도 중요합니다.

모노의 중요성

모든 요소가 단일 채널로 합산되는 모노에서 선명도와 균형을 유지하는 믹스는 추가 레벨 조정이 필요하지 않습니다. 저는 항상 모노에서 믹스가 어떻게 들리는지 확인하는 것이 좋습니다. 주파수 문제를 식별하고 처리하는 가장 좋은 방법이기 때문입니다.

스테레오 믹스에서는 다양한 요소를 패닝하고 스테레오 필드에 펼쳐서 분리와 공간을 만들 수 있습니다. 그러나 이러한 요소를 모노로 축소하면 위상 취소 문제가 훨씬 더 분명해질 수 있습니다. 마찬가지로 모노로 들을 때 주파수 마스킹 문제를 더 쉽게 식별할 수 있습니다.

마지막으로, 모노로 좋은 성능을 내는 믹스는 하이엔드 오디오파일 시스템부터 단일 스피커 장치에 이르기까지 다양한 재생 시스템에서 일관성을 유지할 가능성이 높은데, 이는 바로 음악을 믹싱할 때 찾고 있는 것입니다.

최고의 도구를 알고 있지만, 당신이 가지고 있는 것으로 작업하세요

저는 경험상 비싼 플러그인과 장비가 전문적인 사운드에 필요하다는 생각에 빠지기 쉽다는 것을 알고 있습니다. 오늘날에는 더 이상 그렇지 않습니다.

대부분의 디지털 오디오 워크스테이션에는 전문적인 결과를 제공할 수 있는 다양한 내장 플러그인이 제공됩니다. 이러한 도구를 마스터하는 법을 배우는 것부터 시작하는 것이, 사용하지 않을 타사 플러그인을 대량으로 구입하는 것보다 더 합리적인 솔루션입니다.

프로젝트에 필요한 고품질 플러그인과 장비를 알지 못하거나 구매하지 말아야 한다는 말은 아니지만, 그런 것에 너무 집착하다 보면 믹싱의 더 중요한 측면, 즉 기술을 연마하고, 귀를 믿고, 사용 가능한 리소스를 활용해 최상의 믹스를 만드는 데 집중하지 못하게 됩니다.

마지막 생각

오디오 제작에서는 아무것도 확정되지 않습니다. 그리고 그것이 그것을 매력적이고 창의적인 경험으로 만드는 부분입니다.

그럼에도 불구하고, 신중한 볼륨 밸런싱은 궁극적으로 믹스를 성공적인 히트곡으로 만들 수 있습니다. 트랙에 등장하는 각 악기와 사운드 스테이지에서의 이상적인 위치를 이해하는 데 시간을 투자하세요. 단일 요소에 집중하지 말고 청취자가 공감하고 감정적 영향을 느낄 수 있는 전체적인 음향적 경험에 집중하세요.

다양한 재생 시스템에서 믹스를 테스트하여 모든 기기에서 상상한 대로 재생되는지 확인하는 것의 중요성을 충분히 강조할 수 없습니다. 노래가 스튜디오 환경에서는 훌륭하게 들리지만 자동차 오디오 시스템에서는 끔찍하게 들릴 수 있으며, 그런 일이 일어나기를 바라지 않을 것입니다. 전문가용 헤드폰과 스튜디오 모니터를 사용하지만 저렴한 이어폰에서도 믹스를 확인하세요. 경험하는 방식에 관계없이 좋은 소리가 나야 합니다.

행운을 빌고, 창의력을 발휘하세요!

 

 

 

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