메탈 음악 믹싱: 단계별 가이드

출처 : https://emastered.com/blog/mixing-metal

어떤 종류의 믹스를 작업하든, 저는 종종 몇 가지 품질을 추구합니다. 폭, 깊이, 정확성, 그리고 펀치입니다. 이러한 목표는 장르에 관계없이 꽤 일관적입니다. 가장 부드러운 재즈에서 가장 강렬한 EDM에 이르기까지, 저는 일반적으로 "저음역 정리하기"와 "소리를 하나로 붙이기"와 같은 몇 가지 원칙을 따릅니다.

하지만 메탈 음악, 특히 현대 메탈을 섞을 때는 그 빠른 템포와 빽빽한 편곡이 뒤섞이면서 플레이북이 바뀐다. 여전히 일부 전통적인 기법을 기반으로 사용하겠지만, 각 레이어에 필요한 강렬함은 더 혁신적인 터치를 요구한다.

오늘은 메탈 음악을 믹싱하는 방법에 대한 심층적인 가이드를 처음부터 끝까지 소개하고자 합니다. 이 가이드를 다 읽고 나면 메탈 믹스에서 원하는 명확성과 공격성을 얻기 위해 다른 가이드가 필요 없을 것이라고 진심으로 말씀드릴 수 있습니다.

하지만 먼저 중요한 질문에 답하고 싶습니다.

금속을 섞는 게 왜 이렇게 어려운 걸까?

저는 메탈 믹싱 팁이 담긴 새로운 YouTube 동영상이 꾸준히 올라오는 것 같아요. 물론, 사람들이 믹싱하는 데 너무 고생하지 않았다면 지금처럼 인기가 없었을 거예요.

질문은, 왜 일반 팝 음악을 믹싱하는 것보다 훨씬 어렵겠느냐는 겁니다.

빽빽한 배열

현대 메탈 음악은 종종 여러 기타 트랙, 더블 베이스 드럼 연주, 빠른 속도의 극도로 왜곡된 리프가 있는 빽빽하고 복잡한 편곡을 사용합니다. 이러한 밀도로 인해 각 악기가 뭉친 덩어리로 끝나지 않고 명확하게 들리도록 하는 것이 어려울 수 있습니다.

게다가, 무거운 왜곡은 메탈의 특징이 되었습니다. 우리는 그것을 사용하여 우리 모두가 알고 사랑하는 거칠고 공격적인 기타와 베이스 톤을 얻습니다. 그러나 왜곡의 한 가지 부작용은 하모닉 함량이 증가한다는 것입니다. 신중하게 하지 않으면 서로 다른 레이어 사이에 흐릿한 믹스와 모호한 정의가 생길 수 있습니다. 이 섬세한 균형을 찾는 것은 많은 초보 엔지니어가 어려움을 겪는 한 가지입니다.

보컬 배치

메탈 보컬은 매우 다양할 수 있습니다.

Dio 스타일의 깨끗한 노래부터 공격적인 돼지 울음소리, 으르렁거림, 비명까지, 이미 밀도가 높은 믹스에서 보컬을 어떻게 배치할지 파악하는 것은 어려울 수 있습니다. 보컬이 기타 벽에 가려지는 것을 원하지 않지만, 팝 믹스에서처럼 악기 위에 놓이는 것도 원하지 않습니다.

피로

메탈 음악에는 끊임없는 에너지가 있습니다.

시간이 지나면서 같은 블라스트 비트와 크로매틱 리프를 듣는 것은 위압적일 수 있습니다. 로파이 R&B 트랙과 달리 메탈의 거친 특성은 장시간 듣기 힘들 수 있습니다.

물리적인 측면을 넘어, 메탈은 종종 공격적인 주제와 감정적 강렬함을 다룹니다. 일부 노래는 믹서가 일찍 지치지 않도록 심각한 심리적 노력이 필요합니다. 적당한 레벨로 듣고 자주 휴식을 취하는 것이 중요합니다.

샘플 사용

많은 구식 믹싱 엔지니어는 메탈 믹싱에서 드럼 샘플을 사용하는 것은 이단이라고 말할 것입니다. 처음부터 올바른 녹음을 하고 EQ와 압축을 사용하는 방법을 안다면 드럼 샘플 강화가 필요하지 않을 것입니다. 맞죠?

글쎄요, 이런 경우는 종종 없죠. 특히, 받은 믹스에 나쁜 사운드의 방에서 형편없이 녹음된 지나치게 역동적인 드럼이 들어 있는 경우에는 더욱 그렇습니다.

여러 면에서 드럼 샘플을 사용하는 것은 팝 믹스에서 오토튠을 사용하는 것만큼 흔해졌습니다. 우리의 귀가 좋아하는 팝송에서 완벽한 피치를 듣는 데 익숙해진 것처럼, 현대 메탈 믹스의 특징적인 힘과 정밀성에도 익숙해졌습니다.

때로는 드럼 샘플을 사용하는 것이 원하는 바에 가장 빠른 방법일 수 있습니다. 그렇다면 왜 드럼 샘플을 사용해보지 않으시나요?

적절한 샘플은 트랙 전체에서 드럼의 파워와 일관성을 강화하여 각 히트가 이전 히트만큼의 임팩트를 전달하도록 할 수 있습니다. 이는 특히 메탈 믹스에서 가치가 있는데, 기타와 베이스의 빽빽한 벽을 뚫고도 강인함을 잃지 않는 드럼이 필요하기 때문입니다.

균형 찾기

이제, 녹음 엔지니어가 끊임없이 만들어 낸 것을 지우라고 말하는 것은 아닙니다. 원래 녹음은 트랙의 독특한 사운드와 감정이 있는 곳입니다. 그것을 샘플로 완전히 대체하면 다른 모든 사람의 드럼과 똑같은 소리가 납니다.

여기서 핵심은 원래 드럼 사운드와 추가된 샘플 사이에서 적절한 균형을 찾는 것입니다.

제 목표는 드럼의 자연스러운 톤을 완전히 대체하는 것보다는 보완하고 향상시키는 것입니다. 이렇게 하면 키트의 독특한 특성은 그대로 유지하면서도 샘플이 제공할 수 있는 강렬함과 선명도의 혜택을 누릴 수 있습니다.

이것이 제가 일반적으로 세션 중에 녹음된 드럼 샘플을 타사 샘플을 사용하는 것보다 추가하는 것을 좋아하는 이유입니다. 타사 샘플은 키트의 음향적 특성과 자연스럽게 어우러지는 더욱 응집력 있는 사운드를 제공하기 때문입니다. 물론 세션의 샘플이 없다면 키트의 사운드와 밀접하게 일치하는 신중하게 선택된 타사 샘플이면 됩니다. 귀를 열고 항상 원래 드럼 사운드의 무결성을 유지하는 쪽으로 오차를 두세요.

드럼 샘플을 메탈 믹스에 통합하는 데는 몇 가지 방법이 있습니다. 한 가지 방법은 샘플 교체로, 원래 드럼 연주의 트리거를 사용하여 샘플을 활성화합니다. 이 방법은 약하거나 일관되지 않은 히트를 강화하는 데 특히 유용할 수 있습니다. 또 다른 방법은 샘플 블렌딩으로, 샘플을 원래 히트와 함께 믹싱하여 자연스러운 드럼 사운드를 완전히 압도하지 않으면서 무게감과 바디를 추가합니다.

샘플을 통합하는 방법

다행히도 이 프로세스는 그 어느 때보다 쉬워졌습니다. 드럼 샘플을 추가하기 위해 사용할 수 있는 플러그인이 많이 있습니다. 가장 인기 있는 선택 사항 중 일부에는 트리거링 및 블렌딩에 대한 높은 정밀도와 유연성을 제공하는 Slate Digital의 Trigger 와 믹스에 맞게 완전히 사용자 정의할 수 있는 고품질 샘플의 광범위한 라이브러리가 있는 Toontrack의 Superior Drummer가 있습니다.

대부분의 메탈 믹스 엔지니어와 마찬가지로, 저는 지난 몇 년 동안 Steven Slate Drums를 꽤 좋아하게 되었습니다 . 메탈 프로덕션에 쉽게 통합할 수 있는 현실적인 드럼 사운드를 원할 때 좋습니다. 편집 기능이 굉장하고, 샘플을 제 믹스에 완벽하게 맞추는 것이 항상 쉽습니다.

이제 메탈을 믹싱할 때 드럼 샘플을 사용하는 섬세한 기술을 살펴보았으니, 메탈 믹싱 과정의 더 광범위한 측면으로 넘어가 보겠습니다.

금속 혼합 공정

메탈 음악을 믹싱하는 데 있어 절반은 소스에서 적절한 사운드를 얻는 것입니다. 하지만 일단 사운드가 제자리에 잘 들어맞는다고 생각되면 그 사운드들을 최대한 잘 어울리게 만드는 작업을 시작하면 됩니다.

1. 위상 및 시간 정렬

첫 번째 단계는 모든 것이 적절한 단계와 시간에 맞춰 진행되는지 확인하는 것입니다.

이 단계를 거치지 않으면 금속 혼합물에서 원하는 강도와 선명도를 얻는 게 거의 불가능합니다.

킥 드럼 소스

킥 드럼에 대한 여러 소스(예: 다양한 마이크 및 추가 샘플)를 다룰 때는 위상이 일치 하도록 해야 합니다 . 여기에는 모든 킥 드럼 소스의 파형을 정렬하여 서로 상쇄되지 않고 보완되도록 하는 것이 포함됩니다.

간단한 방법 중 하나는 DAW에서 파형을 확대하고 피크와 트로프가 가능한 한 가깝게 정렬될 때까지 트랙의 타이밍을 수동으로 조정하는 것입니다. 그렇게 하면 결합된 사운드의 영향을 극대화할 수 있습니다.

또한, 저음 또는 하위 주파수를 지배하기 위해 하나의 킥 드럼 소스를 선택하여 주파수 충돌을 방지하는 것이 좋습니다. 하위 주파수의 책임을 단일 소스에 할당하면 더 집중적이고 강력한 하단을 얻을 수 있으며, 드럼 키트와 믹스의 다른 요소가 해당 주파수 범위에서 더 편안하게 자리 잡을 수 있습니다.

스네어 트랙, 오버헤드 및 룸 마이크

스네어 트랙, 오버헤드, 룸 마이크에도 비슷한 주의를 기울이세요.

스네어의 경우, 클로즈 마이크를 사용된 샘플과 정렬합니다. 오버헤드와 룸 마이크도 클로즈 마이크와 비교하여 위상이 맞는지 확인해야 합니다. DAW 채널 스트립의 위상 스위치를 뒤집어서 어느 위치에서 더 풍부한 사운드가 나오는지 들어봐야 할 수도 있습니다.

프로세스 속도를 높이고 싶다면 타이밍과 위상을 자동으로 조정할 수 있는 자동 정렬 플러그인이 많이 있습니다. 대표적인 플러그인으로는 Sound Radix Auto-Align 이나 Waves In-Phase가 있습니다 .

베이스 DI 및 앰프 트랙

베이스 DI(직접 주입) 트랙을 마이크로 녹음한 베이스 앰프(있는 경우) 트랙에 맞추는 것이 다음으로 중요한 단계입니다.

이 트랙들은 서로 다른 방식으로 포착된 동일한 퍼포먼스를 나타내므로, 이를 정렬하면 더 단단하고 응집력 있는 베이스 톤을 얻을 수 있습니다. DI 트랙의 파형의 초기 트랜지언트를 앰프 트랙의 파형과 일치시켜 강화하기만 하면 됩니다.

모든 악기가 제 시간에 도착하도록 보장

물론, 모든 악기가 서로의 타이밍에 맞춰야 하며, 공연의 생명력을 빨아들이지 않아야 합니다. 제가 보통 취하는 단계는 다음과 같습니다.

• 리듬 섹션부터 시작해서 드럼 트랙을 먼저 정렬하세요. 드럼 트랙은 믹스의 중추가 될 것이므로 일관성을 제공하기 위해 그리드에 충분히 꽉 조여져 있는지 확인해야 하지만, 인간적인 느낌을 잃을 정도로 꽉 조여져서는 안 됩니다.
• 베이스를 킥 드럼에 맞춰라. 이 둘의 상호작용은 그루브를 조이는 데 중요하다.
• 리듬 기타와 드럼 및 베이스 트랙의 정렬을 확인하고 조여졌는지 확인하기 위해 필요한 조정을 합니다.
• 마지막으로, 기존 리듬 기반에 잘 어울리도록 추가 악기나 보컬을 정렬합니다.

2. 그룹화

다음으로, 드럼, 기타, 보컬 등 비슷한 악기의 여러 트랙을 단일 버스 채널로 라우팅하여 악기를 버스로 그룹화하는 것을 좋아합니다.

이 접근 방식은 여러 트랙을 동시에 처리할 수 있게 하여 믹싱 워크플로를 간소화할 뿐만 아니라 더욱 응집력 있는 사운드를 얻는 데 도움이 됩니다. 효과, EQ 및 압축을 악기 그룹에 전체적으로 적용하면 서로 붙일 수 있습니다.

게다가 여러 기타에 단일 EQ를 사용하면 모든 트랙이 동일한 설정을 갖고 있는 여러 개의 EQ 플러그인을 개별 트랙에 적용하는 것보다 CPU를 더 많이 절약할 수 있습니다.

3. 볼륨 밸런스

볼륨 밸런스는 모든 믹스의 주요 초점이어야 합니다. 이 부분을 제대로 하지 못하면 EQ, 압축 또는 효과를 아무리 많이 사용해도 도움이 되지 않습니다.

볼륨 밸런스 단계에서는 트랙의 각 요소가 명확하게 들리거나 느껴지고, 믹스를 압도하지 않으면서 전반적인 영향에 기여하는지 확인해야 합니다. 저는 일반적으로 이 과정에서 최소 6dB의 헤드룸을 유지하여 디지털 클리핑을 방지하고 최종 마스터링 프로세스를 위한 충분한 공간을 확보하는 일반 규칙을 고수합니다.

밸런싱 드럼

타이트한 드럼 사운드는 현대 메탈 음악의 기본이며, 그 사운드를 얻으려면 오버헤드나 룸 마이크보다 드럼 스팟 마이크를 우선시하는 것이 좋습니다. 이 접근 방식은 개별 드럼 요소에 대한 보다 정확한 제어를 가능하게 합니다.

킥과 스네어로 시작해서, 그다음에 탐과 심벌을 취향에 맞게 조심스럽게 섞을 수 있습니다. 드럼의 균형을 맞추는 방법은 전적으로 노래에 따라 달라지겠지만, 제가 드릴 수 있는 한 가지 팁은 오버헤드에 조심하는 것입니다. 많은 아마추어 메탈 믹스가 거칠고 거칠게 들리는 이유는 믹스 엔지니어가 심벌을 너무 높게 탔기 때문입니다.

베이스와 기타의 균형 맞추기

다음 단계는 드럼에 비해 베이스와 기타의 균형을 맞추는 것입니다.

베이스는 킥 드럼을 보완하여 밟지 않고 저음 주파수를 채워야 합니다. 결국 EQ와 압축을 할 테니, 처음부터 완벽하게 들리지 않더라도 너무 엄격하게 생각하지 마세요.

저는 보통 킥을 솔로로 연주하고 베이스 기타 페이더를 올려서 잠긴 느낌이 들 때까지 연주하는 걸 좋아합니다. 들으면 알 수 있을 거예요.

기타의 경우, 그들은 종종 메탈 음악의 스타입니다. 드럼과 베이스를 지배하지 않으면서도 명확하게 잘라낼 수 있도록 하세요.

보컬 밸런싱

보컬 레벨의 균형을 맞추는 것에 관해서는 제가 할 말이 많지 않습니다. 왜냐하면 그것은 주로 공연의 스타일과 유형에 따라 결정되기 때문입니다. 많은 공격적인 스타일은 보컬이 믹스에서 두드러지게 자리 잡아야 하는 반면, 더 멜로디컬하거나 대기적인 부분은 악기 연주 배경과 더 잘 어울릴 수 있습니다.

제가 믹스한 많은 메탈 밴드는 믹스에서 더 뒤쪽에 있는 보컬처럼 들립니다. Deftones가 항상 떠오르는데, Chino는 보컬이 두드러지기보다는 악기 연주에 섞이는 것을 좋아한다고 느끼기 때문입니다.

여기서 아이디어는, 특히 기타나 드럼에 주의를 돌리고 싶을 때는 이해성이 항상 가장 중요하지 않을 수도 있다는 것입니다.

4. 패닝

아직 패닝에 대해서는 아무 말도 하지 않았다는 점에 유의하세요.

저는 볼륨 밸런스를 모노로 맞추는 걸 좋아하기 때문입니다. 물론, 패닝을 시작하면 상대적인 레벨이 바뀌겠지만, 저는 다른 곳에 집중하기 전에 거친 밸런스가 모노로 잘 들리도록 하는 데 집중하는 게 더 쉽습니다.

좋은 패닝은 넓은 믹스를 만드는 데 중요한 역할을 합니다. 패닝이 없으면, 특히 밀도 있는 믹스에서는 혼잡하게 들리기 쉽습니다.

저는 보통 킥, 스네어, 베이스, 리드 보컬을 중앙에 유지한 다음 전략적으로 기타, 키보드, 백킹 보컬을 스테레오 필드에 분산시켜 대조를 만들어내면서 강력한 중앙 기반을 구축하는 걸 좋아합니다.

더블 기타는 종종 좌우로 심하게 움직이는데, 가끔은 코러스에서 기타를 살짝 안쪽으로 패닝하고 바깥쪽으로 자동화해서 더욱 강렬하게 만들기도 합니다.

드럼을 어떤 위치에 놓고 싶은지도 고려하는 게 좋습니다. 드러머의 관점에서? 아니면 청중의 관점에서?

피해야 할 패닝 실수

패닝에는 피해야 할 몇 가지 함정이 있습니다.

우선, 악기를 맨 왼쪽이나 오른쪽으로 과도하게 패닝하면 믹스의 균형이 맞지 않을 수 있습니다. 특히 한쪽에서 악기의 요소를 강하게 패닝하고 반대쪽에 균형을 맞춰줄 요소가 없는 경우 더욱 그렇습니다.

또한, 팬을 분리할 때 마이크와 DI 소스 간의 위상 관계를 무시하면 약하거나 텅 빈 사운드가 나올 수 있습니다. 따라서 팬된 요소가 사라지거나 위상이 사라지지 않는지 확인하기 위해 모노 믹스를 정기적으로 확인하는 것이 좋습니다.

또한 스테레오 필드의 특정 영역을 너무 붐비지 않도록 주의하세요. 같은 범위에서 연주되는 기타 리프와 피아노 파트가 있는 경우, 바로 위에 올려놓는 대신 서로 떨어져서 패닝하여 균형을 맞추는 것을 고려하세요. 결국 원하는 선명도를 얻기 위해 EQ 작업을 많이 할 필요가 없습니다.

5. 감정

EQ는 믹싱 프로세스의 다음 도구입니다. 믹스 내의 각 트랙의 톤 밸런스를 조각하고 다듬을 수 있는 기능을 제공하여 모든 트랙이 서로 잘 어울리도록 합니다.

하지만 EQ가 믹스를 향상시키는 엄청난 가능성을 제공하더라도, 믹스를 존중하지 않으면 믹스를 망가뜨리는 것도 마찬가지로 쉽습니다.

많은 믹싱 엔지니어는 주파수를 자르기 전에 주파수를 높이는 경향이 있습니다 .

물론, 부스팅은 필요할 때 좋습니다. 킥의 붐이나 기타 솔로의 존재와 같이 악기의 가장 좋은 특성을 강조하는 데 사용할 수 있기 때문입니다. 그러나 과도한 부스팅은 요소가 공간을 놓고 경쟁하는 어수선한 믹스로 이어질 수 있습니다. 결국 진흙과 정의 부족만 남게 됩니다.

대신, 원치 않는 주파수를 잘라서 소리를 정리하는 것으로 시작하세요. 이런 접근 방식이 상당한 부스트 없이도 더 선명하고 균형 잡힌 믹스를 보여주는 경우가 많다는 것은 항상 놀라운 일입니다.

또 다른 일반적인 오류는 솔로로 트랙의 EQ를 조정하는 데 너무 많은 시간을 소모하는 것 입니다 .

이는 문제가 있는 주파수를 식별하는 데 도움이 될 수 있지만, 트랙이 믹스 내에서 어떻게 위치하는지에 대한 맥락을 제공하지는 않습니다. 악기와 보컬은 다른 요소와 혼합될 때보다 단독으로 들릴 때 매우 다르게 들릴 수 있습니다.

전체 믹스의 맥락에서 EQ 결정을 내리는 것이 중요합니다. 각 조정이 전반적인 사운드에 긍정적인 영향을 미치도록 하기 위해서입니다.

필터 사용

메탈 음악을 믹싱할 때 가장 어려운 일 중 하나는 믹스에서 저음을 적절하게 만드는 것입니다.

로우엔드는 트랙의 무게와 힘을 지탱하지만, 올바르게 관리하지 않으면 흐릿하고 정의되지 않은 믹스로 이어질 수 있습니다. 마스킹은 종종 로우엔드가 좋지 않은 가장 큰 원인으로, 서로 다른 악기의 겹치는 주파수가 같은 음향 공간을 어지럽힙니다.

여기서 고역통과필터(HPF)가 중요한 역할을 합니다.

하이패스 필터를 사용하면 필요하지 않은 악기에서 불필요한 저주파를 선택적으로 제거하여 베이스와 킥 드럼이 필요한 펀치감을 얻을 수 있습니다. 엄격하고 빠른 규칙은 없지만 다양한 악기에 대한 하이패스 필터 제안은 다음과 같습니다.

• 킥 드럼 : 블라스트 비트가 저음에서 약간 힘이 빠진다고 느껴진다면, 기본적인 박자를 잃지 않으면서 킥을 강화하기 위해 30~40Hz에서 시작할 수 있습니다.
• 베이스 기타 : 30~50Hz의 HPF는 바디를 유지하면서 럼블을 제거하고 킥에 방해가 되지 않도록 하는 데 도움이 됩니다.
• 스네어 드럼 : HPF를 80-100Hz로 시작합니다. 여기서 목표는 원하는 기본 주파수 아래의 로우엔드 럼블을 제거하는 것입니다. 메탈에서 스네어의 가장 중요한 부분은 크랙입니다.
• 톰: 랙 톰의 경우 HPF는 80-120Hz, 플로어 톰의 경우 60-100Hz이며, 크기와 튜닝에 따라 다릅니다. 톰이 스스로 연주되는 필의 경우 HPF를 자동화하여 꺼지게 하고, 잠시 서브를 다시 사용할 수도 있습니다.
• 하이햇과 심벌즈: 200-300Hz 주변의 HPF를 적용하면 블리드나 저주파 노이즈를 정리하는 데 좋습니다. 이 요소들에는 많은 바디가 필요하지 않습니다.
• 오버헤드 마이크: HPF를 300Hz 또는 400Hz로 설정하는 것은 드문 일이 아닙니다. 오버헤드 마이크는 심벌즈의 반짝임과 드럼의 공간적 이미지를 포착하는 데 정말로 집중해야 합니다. 저는 보통 제 라이드의 기본 주파수가 어디에 있는지 주시하는 것을 좋아해서 그 이상으로 올라가서 그 특성을 잃지 않습니다.
• 룸 마이크: 80~20Hz 정도의 HPF는 원치 않는 저주파 럼블을 제거하고 키트의 전반적인 사운드를 강화해 줍니다. 하지만 이는 실제로 믹스에서 룸이 어떤 효과를 내기를 원하는지에 따라 달라집니다.
• 일렉트릭 기타: 60~100Hz 이하를 필터링하면 공명하는 저음역대 울림과 캐비닛 쿵쿵거리는 소리를 없앨 수 있지만, 이는 기타의 다운튜닝 정도에 따라 달라질 수 있습니다.
• 보컬: 대부분 보컬은 80Hz 이하에서 사용 가능한 콘텐츠가 없으므로, 80-100Hz 정도의 HPF는 선명도에 필수적이지 않은 파열음과 저음역 울림을 제거하는 데 매우 좋습니다. 남성 음성이나 여성 음성이 높으면 더 높일 수도 있습니다.

반면, 저역 통과 필터(LPF)는 매우 중요한데도 종종 간과됩니다. 저는 보통 일렉트릭 기타와 베이스 기타에 저역 통과 필터를 적용하여 고역의 탄산을 제거합니다. 예를 들어, 메탈 기타는 종종 "크러스트 컷오프" EQ를 적용하여 저역과 고역에 롤오프를 적용하여 중앙에 배치하고 해당 영역에 존재해야 할 요소를 방해하지 않습니다.

일반적으로 말해서

EQ에 접근하는 방법은 무궁무진하며, 특정 악기에 대해 설명하기에 앞서, 여러분께 도움이 될 만한 몇 가지 팁을 살펴보고자 합니다.

우선, 여러 악기에서 같은 주파수를 부스트하거나 깎는 것을 피하세요. 그렇게 하면 믹스의 특정 영역에서 주파수가 쌓이거나 지나치게 얇아져 악기 간의 명확성과 분리가 부족해질 수 있습니다. 예를 들어, 리듬 기타와 베이스 기타 모두에서 로우-미드를 부스트하면 어느 악기도 뚜렷하게 두드러지지 않는 탁한 믹스가 될 수 있습니다.

또 다른 효과적인 전략은 가려진 악기의 주파수를 증폭하는 대신 다른 악기를 가리는 악기를 약화시키는 것입니다. 그렇게 하면 더 자연스럽고 역동적인 믹스를 얻을 수 있습니다. 예를 들어, 리듬 기타가 스네어 드럼을 가리는 경우 스네어의 상단 중음을 증폭하는 대신(거칠거나 부자연스럽게 들릴 수 있음) 기타에서 해당 주파수를 약간 줄여보세요. 이러한 미묘한 조정을 통해 스네어의 고유한 톤을 변경하지 않고도 스네어의 존재감과 임팩트를 드러낼 수 있습니다.

마지막으로 미러링된 EQ 선택으로 실험해 보세요. 즉, 서로 다른 악기에 보완적인 EQ 조정을 해서 퍼즐 조각처럼 서로 맞물리게 하는 것을 말합니다. 예를 들어, 베이스 기타에서 탁한 소리를 없애기 위해 저중음 주파수를 약간 줄인 다음, 킥 드럼에서 같은 주파수를 약간 높여서 그 주파수 범위에서 충만함을 유지할 수 있습니다.

다양한 악기의 EQing

제가 이전에 암시했듯이, EQ에 대한 일괄적 접근 방식은 없습니다. 모든 믹스에는 완전히 다르게 들리는 다양한 요소가 포함되어 있기 때문입니다. 모든 왜곡된 기타가 같은 소리가 나는 것은 아니며, 모든 베이스 사운드가 같은 저음 또는 중음역을 갖는 것은 아닙니다.

이러한 일반적인 팁을 설명하면서, 이 점을 명심하시기 바랍니다.

킥 드럼

대부분 킥의 기본 주파수는 60~80Hz 사이 어딘가에 있다는 것을 알아두는 것이 중요합니다.

추가 파워와 무게가 필요하다면, 그 부분에서 부스트를 할 수 있습니다. 다만 조심하세요. 이 부분에서 큰 부스트는 특히 빠른 더블 킥에서 붐비게 들릴 수 있습니다.

저는 때때로 비터의 어택을 강화하고 '클릭' 사운드를 내기 위해 3-5kHz 사이에 약간의 부스트를 적용하는 것을 좋아하는데, 이는 심하게 왜곡된 기타 사이에서 명확하게 표현하는 데 도움이 될 수 있습니다. 너무 붐비고 정의가 부족한 킥을 믹싱하는 경우 250-400Hz 주변의 일부 주파수를 자르면 정리하고 저중음 기타 톤을 방해하지 않을 수 있습니다.

스네어 드럼

메탈 음악에서는 일반적으로 짧고 빠른 스네어 드럼을 원합니다. 믹스에서 잘려 나가지 않는다면, 2-4kHz에서 상단 중음을 부스트하여 스네어의 균열을 강조할 수 있습니다. 반면에 200Hz에서 약간 부스트하면 약간 얇게 들릴 경우, 바디와 무게감을 더할 수 있습니다.

스네어 사운드가 약간 거칠다면 1kHz 주변을 살펴보고 어디에서 작은 컷을 만들 수 있는지 확인하는 것이 좋습니다.

하이햇과 심벌즈

하이햇과 심벌즈의 경우, 메탈 믹스의 목표는 날카롭거나 압도적이지 않으면서도 전반적인 에너지를 보완하는 선명하고 통풍이 잘되는 사운드입니다.

하이패스 필터 후, 둔탁하게 들리거나 믹스에서 사라지는 경우 자연스러운 지글거림을 끌어내기 위해 6-10kHz에서 약간 부스트해 볼 수 있습니다. 얇거나 거칠게 들리면 2-4kHz 주변의 거친 공명을 제거할 수 있습니다. 게다가 이렇게 하면 심벌즈와 햇이 보컬을 방해하지 않습니다!

톰스

톰은 종종 메탈에서 극적인 필과 전환을 위해 사용됩니다. 제가 일반적으로 톰에서 원하는 것은 두 가지입니다. 로우엔드 펀치와 공격의 선명도입니다.

80-100Hz(특히 플로어 톰)를 부스트하면 기본 톤이 풍부해지고, 400-600Hz를 약간 자르면 박스형을 줄이는 데 도움이 될 수 있습니다. 3-5kHz에서 톰의 어택을 부스트하면 믹스를 뚫고 나가는 데 도움이 될 수 있습니다.

베이스 기타

메탈에서 베이스의 역할은 킥 드럼과 함께 작동하여 튼튼한 기초를 제공하는 것입니다.

저는 종종 베이스의 기본 톤을 강화하기 위해 80-100Hz 주변을 약간 부스트하는 것을 좋아하는데, 특히 저음이 부족하다고 느껴질 때 그렇습니다. 또한 주파수가 매우 빨리 쌓일 수 있으므로 200-250Hz 주변에서 탁함을 줄이는 것이 일반적입니다.

기타 벽을 통해 베이스 소리가 잘 들리지 않는다면 700Hz~1kHz 정도의 약간의 증폭과 고음역대 왜곡을 결합하면 베이스의 손가락이나 피크 사운드를 더욱 명확하게 표현하는 데 도움이 될 수 있습니다.

일렉트릭 기타

내가 메탈 기타를 EQ하는 방식은 다양할 수 있다. 솔로 리드는 왜곡된 리듬 기타와 다르고, 왜곡된 리듬 기타는 반짝이는 깨끗한 앰비언트 파트와 다르다.

간결하게, Slayer의 음반에서 들을 수 있을 법한, 굵고 높은 게인 메탈 기타에 대해 이야기해 보겠습니다.

내 메탈 기타가 탁하게 들린다고 느껴지면 300-400Hz를 잘라내고, 조금 더 선명하게 해야 한다고 느껴지면 800Hz로 앞으로 끌어올릴 수 있습니다. 믹스의 모든 악기를 뚫고 지나가기 위해 약간의 추가적인 물림이 필요한 리드 기타를 다루고 있다면 3kHz 주변에서 약간 부스트합니다.

보컬

메탈 음악의 보컬은 으르렁거리는 소리부터 솟구치는 멜로디까지 매우 다양합니다.

각각은 믹스에 제대로 들어가려면 맞춤형 접근 방식이 필요합니다. 그러나 보컬에 반짝이는 광채를 주기 위해 10kHz 이상의 하이엔드 부스트를 사용하고 싶을 수 있는 팝 믹스와 비교했을 때, 메탈이나 록을 믹스할 때는 하이-미드에 더 집중하는 것을 좋아합니다.

2-5kHz 부스트하면 보컬에 더 많은 존재감과 에너지를 줄 수 있습니다. 그러나 해당 영역의 부스트가 너무 거칠게 들리면 대신 200-300Hz 부스트에서 약화하고 보컬의 전체 볼륨을 부스트해 보세요.

6. 압축

압축은 듣기 어려울 수 있으므로 많은 새로운 엔지니어에게 논쟁의 여지가 될 수 있습니다.

다행히도 메탈에서는 압축을 좀 더 공격적으로 적용할 수 있어서 재즈나 R&B 믹스보다 섬세함이 덜 필요합니다.

일관성을 유지하는 데 가장 중요한 요소는 드럼 입니다 .

드럼 압축

킥 드럼의 경우, 느린 어택과 함께 중간에서 높은 비율(약 4:1에서 8:1)은 초기 트랜지언트를 강조하고, 펀치감과 존재감을 부여하는 동시에 바디를 압축하는 데 도움이 될 수 있습니다. 스네어는 종종 유사한 접근 방식이 필요하며, 드럼의 자연스러운 감쇠를 향상시키기 위해 릴리스 시간을 추가로 고려해야 합니다.

톰은 약간 낮은 비율(3:1)과 중간 어택 타임으로 압축하여 성능을 저하시키지 않고도 다이나믹 필을 유지할 수 있습니다. 오버헤드는 일반적으로 덜 공격적인 압축이 필요합니다(전혀 필요하지 않은 경우). 저는 오버헤드로 키트를 더 잘 붙이는 데 집중하고 싶기 때문입니다. 반면에 룸 마이크를 산산조각 내도 됩니다. 키트에 생명력을 불어넣는 좋은 방법이니까요!

물론 이 시점에서 병렬 압축을 사용할 수도 있지만 이에 대해서는 곧 자세히 설명하겠습니다.

베이스 압축

베이스 기타를 압축하면 메탈 믹스의 저음을 고정할 수 있습니다.

저는 두 개의 컴프레서를 직렬로 사용하는 것을 좋아하는데, 미묘한 동적 제어와 베이스의 자연스러운 톤을 보존할 수 있습니다. 첫 번째 컴프레서는 높은 비율(약 8:1)과 피크를 잡기 위한 빠른 어택으로 설정할 수 있고, 두 번째 컴프레서는 낮은 비율과 느린 어택으로 전체 성능을 균일하게 합니다.

보컬 압축

보컬은 매우 넓은 다이나믹 레인지를 가질 수 있는데, 특히 보컬리스트가 음역대를 오르내릴 때 더욱 그렇습니다.

대부분의 경우, 메탈 보컬은 더 일관된 사운드를 얻기 위해 더 높은 압축 비율(6:1 이상)의 이점을 얻을 수 있습니다. 빠른 어택은 공격적인 부분을 즉시 길들이는 반면, 중간 릴리스 시간은 컴프레서가 공연과 함께 호흡하는 데 도움이 됩니다.

7. 리버브와 딜레이

메탈 음악에서 리버브를 사용할 때는 제한적으로 접근하는 것을 좋아합니다.

메탈의 밀도 있는 편곡과 빠른 템포는 과도한 리버브로 인해 생길 수 있는 흐릿함이나 탁함을 거의 허용하지 않습니다. 따라서 악기와 보컬의 자연스러운 힘을 압도하지 않고 향상시키기 위해 아껴서 사용하는 것이 좋습니다.

프리 딜레이 설정이 있는 짧은 플레이트는 스네어와 톰에 적합합니다. 어택을 흐릿하게 하지 않으면서도 튀어나오게 할 만큼 충분한 공간적 향상을 제공하기 때문입니다. 프리 딜레이는 리버브 효과가 시작되기 전에 초기 드럼 타격이 믹스를 깨끗하게 통과할 수 있게 해주어 타악기 효과를 희생하지 않고도 깊이와 차원감을 더해줍니다.

플레이트는 노래에 리버브가 전혀 필요 없는 경우 보컬에도 좋습니다(때로는 슬랩 딜레이 또는 핑퐁 딜레이가 리버브의 밀도 없이 공간감을 제공할 수 있습니다). 무엇을 선택하든, 리턴 트랙에 EQ를 사용하여 불필요한 저음과 고음을 제거하여 음색의 균형을 조각하는 것이 좋습니다.

다른 대부분 악기와 마찬가지로 리버브를 가볍게 사용할 수 있습니다. 몇 가지 예외로는 리드 기타 솔로에 아껴서 사용하는 더 큰 홀 리버브나 리듬 기타에 응집력을 더하기 위해 더 타이트한 룸 리버브가 있습니다.

추가 금속 혼합 팁

베이스 분할하기

저에게 메탈 음악에서 올바른 베이스 사운드를 얻는 것은 EQ를 사용하여 그것을 별도의 고주파 및 저주파 채널로 분할하는 것입니다. 이것은 각 주파수 범위를 독립적으로 처리하는 데 좋습니다.

저음을 분리함으로써 베이스의 깨끗하고 기본적인 울림과 따뜻함을 보존할 수 있으므로 탁함 없이 믹스를 튼튼하게 뒷받침할 수 있습니다. 반면 고주파 채널에서는 약간의 채도와 왜곡을 넣어 베이스의 거친 느낌과 특성을 강조할 수 있어 가장 조밀한 편곡도 뚫고 지나갈 수 있습니다.

하이패스와 로우패스를 어디에 적용할지에 대해 말하자면, 저는 보통 저음역대의 LPF 컷오프가 150~250Hz 정도가 되기를 원하고, 포화 저음대의 HPF는 200~300Hz 정도가 되기를 원합니다.

전기 기타의 로우-미드 제어

특히 팜 뮤트 섹션에서 전기 기타의 저중저음을 강조하기 위해 멀티밴드 컴프레서를 활용하는 것은 메탈 믹싱에서 신성한 기술입니다.

팜 뮤트 리프는 헤비 음악의 필수 요소입니다. 그러나 신중하게 처리하지 않으면 때때로 탁하거나 정의가 부족하게 들릴 수 있습니다. FabFilter MB와 같은 멀티밴드 컴프레서로 저중 주파수를 특별히 타겟팅하면 기타를 제어하고 조여서 기타가 팜 뮤트 섹션을 칠 때마다 주파수 범위가 튀어나오지 않도록 할 수 있습니다.

여기서 핵심은 팜 뮤트가 가장 공명하는 주파수 범위(종종 200~500Hz)를 분리하고 이 대역에 선택적으로 압축을 적용하는 것입니다. 최종 결과는 제어되지만 선명한 메탈 기타입니다.

보컬에 병렬 처리 사용

마지막으로 보컬에 병렬 압축과 왜곡을 적용해 공격성을 부여하는 방법에 대해 이야기하고 싶습니다.

병렬 압축, 즉 뉴욕 압축은 보컬 트랙의 심하게 압축된 버전을 압축되지 않은 원래 트랙과 믹싱하는 것을 포함합니다. 이 방법을 사용하면 보컬이 자연스러운 역동성과 뉘앙스를 유지하는 반면 압축된 신호는 믹스 전체에서 일관되고 강력한 존재감을 드러냅니다.

그 결과, 표현력 있는 범위를 잃지 않으면서도 밀도 있는 악기 연주를 뚫고 나오는 보컬이 탄생했습니다.

왜곡을 병렬로 추가하면 비슷한 이점이 있습니다.

자연스러운 보컬의 이해성이나 품질을 손상시키지 않으면서도 고옥탄 보컬 트랙의 모든 공격적인 느낌과 에너지를 얻을 수 있습니다.

마무리 생각 - 프로처럼 메탈 믹싱하기

메탈 음악을 믹싱하는 것은 매우 재미있고, 믹스의 모든 요소로 창의성을 발휘하는 데 사용할 수 있는 멋진 팁, 트릭, 기술이 정말 많습니다. 헤비나 공격적인 음악에 깊이 빠져 있지 않더라도 메탈 믹스에 뛰어들면 배울 수 있는 것이 많습니다. 게다가 메탈을 믹싱할 때 습득하는 기술 중 많은 부분이 힙합에서 레게에 이르기까지 다른 장르에서도 사용할 수 있습니다.

무겁게 유지하세요!

#의약품 #개발과정 #임상시험 #신약개발 #제약회사 #유효성 #안전성 #전임상시험 #의약품승인 #약물연구