재즈 음악 믹싱: 13가지 입증된 팁과 기술

출처 : https://emastered.com/blog/mixing-jazz

재즈 음악을 믹싱하는 것은 독특한 도전이며, 음악 역사상 가장 오래 지속된 장르 중 하나의 뿌리로 우리를 되돌려 놓습니다. 기술의 발전과 함께 끊임없이 진화하는 많은 현대적 스타일과 달리, 재즈는 지난 수십 년 동안 놀랍게도 진정한 사운드를 유지해 왔습니다.

숙련된 엔지니어의 진정한 특징은 재즈 레코드를 믹싱하는 데서 빛을 발하는데, 라이브 공연의 본질이 자유롭게 지배하고 미묘한 역동성을 재창조하기보다는 보존해야 합니다. 팝, 록, 힙합 또는 일렉트로닉 음악을 믹싱하는 데 익숙한 사람이라면 현재 믹스 엔지니어로서 이해하는 것에서 벗어나는 것이 어려울 수 있습니다.

재즈 믹싱에는 악기 간의 자연스러운 상호작용을 포착하는 것부터 사운드를 정의하는 음향 공간을 존중하는 것까지 더 미묘한 접근 방식이 필요합니다. 오늘은 재즈 믹싱을 위한 13가지 입증된 팁과 기술을 살펴보고 이러한 고유한 접근 방식을 채택하면 어떻게 더 나은 오디오 엔지니어가 될 수 있는지 알아보겠습니다!

1. 자연스러운 것을 유지하세요

재즈 음악은 오랫동안 클럽과 스피크이지 장면에 깊이 자리 잡았습니다. 오늘날까지도 처음으로 공명한 자연 음향 공간의 본질을 지니고 있습니다.

환경과의 이러한 연결은 역사적일 뿐만 아니라 이 장르의 사운드와 매력의 중요한 측면입니다. 재즈의 전형적인 라이브, 자발적, 상호 작용적 공연은 이러한 음향적 설정에서 번창합니다! 우리는 기술적으로 "완벽하지" 않더라도 방의 반향과 밴드의 뮤지션 간의 상호 작용의 뉘앙스를 듣고 싶습니다.

전통에 따라 대부분의 재즈 악기는 업라이트 베이스, 색소폰, 피아노 등 순수하고 증폭되지 않은 형태로 연주됩니다. 재즈를 다루는 믹싱 엔지니어로서 가장 큰 과제는 자연스러운 진정성을 유지하는 것입니다. 녹음 세션을 담당하는 경우, 이는 또한 방의 마이크 배치를 신중하게 고려해야 함을 의미합니다.

아티스트가 특별히 실험적인 것을 시도하라고 지시하지 않는 한, 가장 중요한 목표는 음악가와 함께 있는 것 같은 느낌을 재현하는 것이어야 합니다.

2. 압축을 쉽게 하세요

재즈의 감정은 역동성에서 나오기 때문에, 압축을 부드럽게 하는 것이 중요합니다.

재즈의 고유한 다이나믹 레인지 - 스네어에 가장 부드럽게 치는 것부터 화려한 브라스 섹션의 폭발적인 폭발까지 - 는 이야기를 전달합니다. 긴장과 이완은 모든 것이므로 믹스 엔지니어가 저지를 수 있는 가장 큰 실수 중 하나는 과도한 압축입니다.

음악에서 생명력을 빼앗고 흐름을 끊는 것은 절대 하고 싶지 않은 일입니다.

재즈에서 압축을 사용할 때는 명확하고 명확한 목적을 가지세요. 예를 들어, 피치카토 음표와 활로 연주한 구절 사이의 레벨을 고르게 하기 위해 더블 베이스에 컴프레서를 가볍게 사용하여 둘 다 믹스에 잘 어울리도록 할 수 있습니다.

피아노에서는 압축을 적용하여 보다 공격적인 스타카토 구절의 피크를 부드럽게 완화하는 동시에 보다 부드럽고 서정적인 섹션의 표현력 있는 볼륨 변화를 보존할 수 있습니다.

3. 테이프 채도 사용

최고의 재즈 음반 중 일부는 테이프에 녹음되었기 때문에, 알든 모르든, 그 테이프에서 나오는 사운드와 채도는 익숙한 것입니다.

테이프 채도는 믹스에서 사용하기에 가장 좋아하는 채도 유형 중 하나이며, 특히 따뜻함, 특성, 응집력을 원할 때 그렇습니다. 미묘하게 사용하더라도 매우 강렬할 수 있습니다. 채도에서 얻는 하모닉스 외에도 디지털 녹음에는 종종 없는 약간의 압축도 얻을 수 있습니다.

마스터에 테이프 채도를 사용할 때는 가볍게 접근하세요. 여기서 목표는 선명도와 다이나믹 레인지를 손상시키지 않으면서 전체 믹스에 응집력 있는 따뜻함과 충만함을 부여하는 것입니다. 어떤 사람들은 그것을 "접착제"라고 부를 수도 있습니다.

내가 가장 좋아하는 테이프 채도 플러그인으로는 클래식 테이프 머신을 꼼꼼하게 모델화한 Universal Audio Ampex ATR-102 와 1960년대 최고의 앨범을 녹음하는 데 사용된 머신에서 영감을 받은 Waves J37 이 있습니다.

4. 일찍 공간을 찾으세요

특히 재즈 음악에서는 러프 믹스에서 일찍 공간을 찾는 것이 중요합니다. EQ에 도달하기 전에 패닝과 레벨을 공간과 깊이를 만드는 주요 도구로 고려하세요. 여기서 아이디어는 각 요소가 스테레오 필드에 자연스럽게 들어맞게 하여 나중에 EQ를 과도하게 사용할 필요가 없도록 하는 것입니다.

각 악기가 각자의 공간에서 빛나도록 무대를 설정하기 위해 팬하고 레벨을 조정합니다. 예를 들어, 리듬 섹션을 약간 중앙에서 벗어나 팬하여 라이브 세팅에서의 물리적 배치를 반영할 수 있으며, 더블 베이스는 약간 왼쪽에, 피아노는 오른쪽에 배치할 수 있습니다. 드럼은 청취자의 관점에 따라 팬할 수 있으며, 하이햇을 약간 한쪽으로, 톰은 스테레오 필드에 분산하여 더욱 사실적인 표현을 제공할 수 있습니다.

5. 드럼이 결정하게 하세요

재즈 믹싱을 위한 제 지침 원칙 중 하나는 "드럼이 결정하게 두는 것"입니다. 제 눈에는 드럼의 음향적 특성과 역동성이 나머지 믹스의 분위기를 정합니다.

재즈에서 드럼을 믹싱하는 두 가지 매우 대조적인 접근 방식을 고려해 보겠습니다.

한 시나리오에서 드럼은 부드럽고 솔질된 스네어와 절제되고 부드러운 킥 드럼을 사용하여 고전적이고 느긋하고 연기가 자욱한 라운지 분위기를 보완할 수 있습니다. 이 설정은 베이스, 피아노, 호른이 이 미묘함을 반영하는 방식으로 믹싱되어야 합니다.

반면에, 에너지가 넘치는 비밥 트랙에 초점을 맞춘 믹스는 날카롭고 뚜렷한 크랙이 있는 스네어와 타이트하면서도 두드러진 킥 드럼을 특징으로 할 수 있습니다. 그 드럼 사운드는 나머지 악기에 대해 훨씬 더 공격적이고 역동적인 믹싱 접근 방식을 명령할 것입니다.

빌 에반스의 "Sunday at the Village Vanguard"에서 폴 모티안의 뉘앙스 있는 드럼 사운드를 들어보세요. 그의 브러시워크는 사색적인 분위기를 조성할 뿐만 아니라 모든 악기가 호흡하고 상호 작용하는 믹스를 지시합니다. 스펙트럼의 반대편에는 "Moanin"에서 아트 블래키의 폭발적인 에너지가 있는데, 이는 강력하고 전면적이고 중앙의 드럼 연주가 다른 뮤지션들이 더 강해지도록 강요할 수 있는 방법을 보여줍니다.

6. 라이브 밴드 믹싱의 특이점에 대비하기

재즈 음악을 믹싱하는 데 있어 가장 독특한 과제 중 하나는 라이브 밴드를 믹싱하는 방법을 아는 것입니다. 이는 일반적으로 팝 음악을 믹싱할 때 적용하는 사고방식과는 다릅니다.

많은 재즈 녹음은 라이브 세션의 마법을 포착합니다. 재즈 뮤지션들을 방에 모아 놓고, 마이크 별자리로 둘러싼 다음, 녹음을 시작합니다. 이것이 라이브 공연의 자연스러운 상호작용과 에너지를 포착하는 가장 좋은 방법일 수 있지만, 블리드와 위상 문제와 같은 복잡성도 도입합니다.

블리드는 한 악기의 소리가 다른 악기의 마이크에 의해 수집되는 것입니다. 그러나 재즈 음악에서는 블리드를 문제로 보는 대신 믹스에 깊이와 사실성을 더할 수 있는 기회로 받아들일 수 있습니다.

예를 들어 룸 마이크는 이 맥락에서 매우 귀중합니다. 녹음 엔지니어는 룸 마이크를 사용하여 같은 방에 있는 앙상블의 집단적인 사운드를 포착하는데, 이는 믹스에 고립된 트랙으로는 복제하기 어려운 일체감을 줍니다. 여기서 핵심은 이러한 마이크로 녹음된 소스 간의 위상 문제를 조심하는 것입니다.

마이크 간의 위상 관계, 특히 서로 가까이 있거나 동일한 소스를 캡처하는 마이크 간의 위상 관계를 들어보세요. 마이크의 위상을 반전하면 위상 취소를 해결하고 얇은 사운드를 강화할 수 있습니다. 게이팅 및 볼륨 자동화를 전략적으로 사용하여 중요한 순간에 블리드의 영향을 최소화할 수도 있습니다.

7. 병렬 처리

병렬 처리 기법은 제가 가장 좋아하는 기법 중 하나입니다. 하지만 재즈를 믹싱할 때는 병렬 처리가 핵심입니다.

압축, 리버브 또는 딜레이와 같은 효과를 병렬 채널에 버스로 연결하면 처리된 신호를 원래의 처리되지 않은 트랙과 혼합하여 믹스의 전반적인 자연스러운 사운드를 압도하지 않으면서 특정 음향적 측면을 증강할 수 있습니다.

재즈 믹스에서는 드럼에 병렬 압축을 자주 사용하는데, 드럼 트랙을 강한 압축으로 버스로 보낸 다음 이것을 원래의 처리되지 않은 드럼과 다시 믹싱합니다. 결국, 재즈에 필수적인 미묘함과 역동성을 유지하면서도 훨씬 더 강렬하고 응집력 있는 드럼 사운드를 얻게 됩니다.

병렬 리버브도 같은 방식으로 훌륭합니다. 예를 들어, 색소폰이나 트럼펫 트랙을 리버브 전용 버스로 보내서 멀리 들리거나 씻겨 나간 것처럼 들리지 않으면서도 주변 공간감을 만들 수 있습니다. 물론, 음악가가 요청하지 않는 한 리버브와 딜레이와 같은 공간적 효과를 미묘하게 사용하는 것이 가장 좋습니다.

8. 볼륨 자동화 활용

재즈 음악을 믹싱할 때 볼륨 오토메이션은 압축보다 우월합니다. 몇 개의 피크를 듣고 컴프레서로 제어하는 ​​대신 볼륨 오토메이션을 사용하여 피크를 낮추어 더 정확하고 자연스러운 제어를 할 수 있습니다.

압축은 비교적 가볍게 적용하더라도 자발적인 솔로 순간의 생명력을 앗아갈 수 있습니다. 반면 볼륨 자동화를 사용하면 필요에 따라 공연의 특정 부분을 강화하거나 억제할 수 있으므로 모든 뉘앙스가 의도한 대로 정확하게 들리도록 제어할 수 있습니다.

9. 효과는 미묘하게 표현하세요

재즈 앨범에서 효과를 사용하는 방식은 앨범이 얼마나 "시대를 초월한" 사운드로 들리는지에 영향을 줄 수 있습니다.

70년대 재즈 퓨전 시대의 특징인 페이저가 가득한 베이스나, 80년대 록 시대의 게이트 리버브를 많이 사용한 음반은 그 시대의 널리 퍼진 영향으로 인해 확실히 오래된 것처럼 들릴 수 있습니다.

물론, 프로듀서와 엔지니어는 당시 자신들이 혁신적이라고 생각했을 것이고, 그렇기는 했지만 그 음반은 특정 시기에만 국한되어 미래 청취자에게 어필하는 데 한계가 있을 수 있습니다.

레코드가 구식으로 들리지 않게 하는 열쇠는 무엇보다도 음악의 필요를 충족시키는 것입니다. 레코드 자체가 효과를 사용할지 여부를 결정하게 하세요. 예를 들어, 1960년대 Blue Note 앨범의 라이브, 어쿠스틱 분위기를 포착하는 것을 목표로 하는 재즈 레코드는 최소한의 효과로 이득을 얻을 것입니다.

반면, Electric Masada나 James Blood Ulmer와 같은 현대 재즈 퓨전 프로젝트는 장르의 규범을 벗어나기 위해 딜레이와 페이저와 같은 난해한 효과를 기꺼이 통합할 수 있습니다. 차이점은 이러한 효과가 사운드 의 일부가 되어 저렴한 효과에 집착하는 대신 예술적 성명을 한다는 것입니다.

10. 올바른 리버브 찾기

재즈를 믹싱할 때 무거운 시간 기반 효과에 의존하는 대신, 저는 종종 앰비언트 또는 룸 리버브 설정에 더 기울기를 권장합니다. 이러한 유형의 리버브는 공간의 자연스러운 음향을 모방하도록 설계되어 음악성을 떨어뜨리지 않으면서 녹음의 라이브 느낌을 향상시키는 공기감과 차원감을 제공합니다.

목표는 트랙이 따로 녹음되었더라도 밴드가 같은 공간에서 함께 공연하는 것처럼 느끼게 하는 것입니다. 앰비언트와 룸 리버브는 악기 사이의 틈을 미묘하게 채워 라이브 재즈 클럽이나 콘서트 홀 경험을 반영하는 응집력 있는 사운드 스테이지로 엮어낼 수 있습니다.

재즈 믹스에 리버브를 선택할 때는 상대적으로 짧은 감쇠 시간을 가지면서 현실적인 공간감을 제공하는 설정을 고려하세요.

11. 라우드니스 전쟁에 주의하세요

저는 우리 모두가 이 시점에서 "라우드니스 워즈"에 대한 이야기를 듣는 데 지쳤을 것이라고 확신합니다. 그러나 그것이 우리가 여전히 음악을 가능한 한 크게 만드는 것을 목표로 하는 점점 더 공격적인 마스터링 관행을 향해 나아가고 있지 않다는 것을 의미하지는 않습니다.

문제는, 최대의 음량에 대한 이러한 추구가 재즈의 정신과 맞지 않는다는 것입니다. 재즈 믹스는 강렬함의 흐름과 밀물에서 번창하며, 조용한 순간도 시끄러움만큼 표현력이 풍부합니다.

재즈 믹스를 마스터링하고 스트리밍이나 방송할 때, 동적 무결성을 유지하기 위해 특별한 주의를 기울여야 합니다. 재즈 믹스를 리미터나 코덱에 너무 세게 밀어 넣으면 원치 않는 왜곡이나 아티팩트가 발생할 수 있습니다. 심벌즈는 종종 이러한 공격적인 처리의 타격을 받습니다.

재즈 음악에서 가장 중요한 요소 중 하나인 심벌즈는 트랙의 느낌과 분위기에 상당히 기여합니다. 그러나 지나치게 제한하면 제약을 받고 인위적으로 느껴지는 믹스를 얻게 됩니다. 팝 음악에서 무거운 심벌즈를 많이 듣지 못하는 이유 중 하나일 것입니다. 심벌즈는 무거운 마스터링에 동의하지 않습니다.

스트리밍 플랫폼에서 다른 믹스와 비교했을 때 믹스를 돋보이게 하기 위해 최대 음량을 높이는 것보다는, 스트리밍 알고리즘이 음량 페널티로 마스터를 낮추는 것보다 다이나믹 레인지를 활용하는 것이 더 좋습니다.

12. 하드웨어 EQ 사용

EQ는 최종 믹스의 사운드에 상당한 영향을 미칠 수 있습니다.

보다 보수적이고 고전적인 하드웨어 EQ나 플러그인 에뮬레이션을 선택하면 재즈에서 아름답게 작동하는 아날로그 풍부함과 미묘함의 달콤한 레이어를 추가할 수 있습니다. 정밀하지는 않지만 그게 요점입니다. 우리는 EQ 선택이 외과적인 것이 아니라 음악적이기를 원합니다.

Pultec EQP-1A는 재즈 레코드를 믹싱하는 데 제가 가장 좋아하는 장비 중 하나입니다. 동일한 주파수를 동시에 자르고 부스트할 수 있는 독특한 기능이 있어 예를 들어 업라이트 베이스에 깊이와 존재감을 더할 수 있습니다.

Neve 1073 에뮬레이션은 유기적인 느낌을 유지하면서도 보컬을 달콤하게 만들고 싶을 때도 좋습니다.

13. 다른 믹스 참조

참조는 어떤 장르를 작업하든 모든 믹싱 엔지니어에게 매우 귀중한 연습입니다. 다행히도 재즈에서는 믹싱 과정을 안내해 줄 수십 년 분의 음향 벤치마크가 있습니다.

여러분의 곡과 유사한 점이 있는 전문적으로 믹싱하고 마스터링한 재즈 트랙을 선택하고 이를 면밀히 분석하여 악기의 균형을 맞추고, 역동성을 관리하고, 음악의 감정적 영향과 선명도를 향상시키는 방식으로 효과를 적용하는 방법에 대한 통찰력을 얻으세요.

몇 시간 동안 믹싱을 한 후에는 새로운 관점을 유지하기 어려울 수 있습니다. 참조를 통해 언제든지 결정을 다시 확인하고 올바른 길을 가고 있는지 확인할 수 있는 올바른 관점을 갖게 됩니다.

최종 결과

다른 음악 장르에 비해 재즈 음악은 믹싱하기가 꽤 어려울 수 있습니다. 라이브 녹음에서 어쿠스틱 악기를 믹싱하는 데 어려움이 있고 압축 및 리버브와 같은 효과 뒤에 있는 결함을 숨길 수 없습니다.

이것이 녹음 과정에서 모든 것을 제대로 하는 것이 매우 중요한 이유입니다. 훌륭한 재즈 믹서라면 누구나 전설적인 재즈 레코드는 믹싱 프로세스에서 나오지 않고 연주자, 작곡, 녹음에서 나온다고 말할 것입니다. 손에 쥐어지면 청취 경험을 향상시키는 것만이 당신의 유일한 일입니다.

이러한 팁이 재즈가 요구하는 세심함과 흐름으로 믹싱하는 데 영감을 주어, 여러분이 만지는 모든 트랙이 앞으로도 여러 세대에 걸쳐 스윙하고, 그루브를 이루고, 공명할 수 있기를 바랍니다!

 

 

 

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