음악 분석 방법: 입증된 7가지 팁

 

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노래는 단일 개체 그 이상입니다. 그것은 특정 방식으로 배열된 다양한 요소의 모음이며, 그 요소들이 배열되는 방식은 무한한 가능성으로 이어질 수 있습니다.

샌드위치처럼 음악도 여러 겹의 층과 수많은 고유한 재료로 구성되어 있으며, 최상의 결과를 얻으려면 이 모든 것이 완벽하게 결합되어야 합니다.

아마도, 깨닫지도 못한 채, 당신은 이미 인생의 어느 시점에서 음악을 분석했을 것입니다. 특히 트랙을 제작한 적이 있다면 더욱 그렇습니다. 그러나 캐주얼 리스너든 프로 음악 프로듀서든, 노래를 분석하는 것은 모든 분야의 음악 제작자가 받아들여야 할 엄청나게 유익한 관행이라고 생각합니다.

우리가 좋아하는 음악을 적극적으로 들으면 우리가 듣는 것에 대한 더 깊은 이해를 개발하는 데 도움이 됩니다. 멜로디, 하모니, 리듬, 제작 기술, 믹스 처리 등 노래의 다양한 요소에 적극적으로 집중함으로써 다양한 구성 요소가 어떻게 상호 작용하고 전반적인 사운드에 기여하는지에 대한 귀중한 통찰력을 얻을 수 있습니다.

게다가, 혼자서는 생각해 낼 수 없는 창의적인 아이디어에 영감을 줄 수도 있습니다!

결국, 우리는 영향의 산물이죠?

그러면 문제는, 음악 분석 과정에서 적극적 청취를 어떻게 활용하여, 자신의 음악을 쓰거나 프로듀싱할 때 활용할 수 있을까 하는 것입니다.

우리와 함께 7단계의 독특한 분석 과정을 살펴보세요!

노래를 분석하는 것이 중요한 이유

음악 프로듀서로서, 저는 노래 분석의 가치를 충분히 설명할 수 없습니다. 그것은 음악 프로듀서에게 매우 유익한 기술인데, 전문적인 노래에서 발견되는 제작 기술에 대한 귀중한 통찰력을 제공하기 때문입니다.

트랙의 구성 요소를 파헤치면 트랙을 매력적으로 만드는 요소를 더 쉽게 식별할 수 있습니다. 그런 다음 그 통찰력을 활용하여 자신의 음악을 작곡하는 동안 정보에 입각한 결정을 내릴 수 있습니다.

또한 좋아하는 노래에서 영감을 얻는 데 귀중한 도구가 될 수 있습니다. 좋아하는 아티스트의 음악을 더 적극적으로 들을수록 음악을 만들 때 자신을 표현하는 대안적인 방법을 탐구할 수 있는 레퍼토리가 더 많아질 것입니다.

음악 분석에 필요한 것들

"어떻게"와 "왜"를 살펴보기 전에, 청취 과정을 최적화하기 위해 다음 사항이 있는지 확인하세요.

고품질 파일

YouTube에서 립한 저품질 128kbps 파일만 있다면 트랙을 분석하려고 하는 것은 전혀 의미가 없습니다. 여전히 편곡과 작곡, 편곡을 분석할 수 있지만, 제작, 믹싱 또는 마스터링과 같은 트랙의 더 미묘한 측면을 파헤치려고 하면 훨씬 더 어려워집니다.

더 정확한 분석을 원하시면 최소 320kbps MP3 품질을 사용하는 것이 좋습니다. Apple Music이나 Spotify Premium에 액세스할 수 있다면 청취 시 가장 높은 품질 설정을 선택할 수 있습니다.

그러나 이상적인 세상에서는 WAV나 AIFF와 같이 압축되지 않은 무손실 파일을 구할 수 있다면 그것을 손에 넣으려고 노력해야 합니다. 처음 들어볼 때는 큰 차이를 알아차리지 못할 수도 있지만, 이런 종류의 파일은 전문적인 스튜디오 환경에서 들을 수 있는 것과 가장 가까운 표현을 제공하는 동시에 더 정확한 분석 기반을 제공합니다.

전문가급 스피커 또는 헤드폰

예전에는 이어버드를 별로 좋아하지 않았지만, 지금은 Apple AirPods를 매우 좋아합니다.

음질은 가격대비 매우 견고하며, 전반적인 청취와 휴대성 측면에서 이보다 더 뛰어난 제품은 없습니다.

하지만 노래의 제작, 믹싱, 마스터링과 같은 복잡한 세부 사항을 분석하는 데 사용하는 것은 권장하지 않습니다. 명확성이 부족하고 주파수 응답이 편향되어서 들어야 할 중요한 요소를 식별하기 어려울 수 있기 때문입니다.

대신, 더 정확한 청취 경험을 제공하는 고품질 스피커나 헤드폰에 투자하세요. 프로덕션, 믹싱 또는 마스터링을 시작한다면 어쨌든 전문가 수준의 좋은 헤드폰이 있어야 합니다.

좋은 소식은 괜찮은 헤드폰을 찾기 위해 은행을 털 필요가 없다는 것입니다. 예산 친화적인 옵션이 많이 있기 때문입니다. 예를 들어, 저는 많은 초보 프로듀서가 Audio Technica의 ATH-M20x 헤드폰을 사용하는 것을 보았는데, 이 헤드폰은 가격대비 꽤 정확한 청취 경험을 제공합니다.

하지만 한 단계 더 나아가고 싶다면 Beyerdynamic DT-770을 추천합니다. 이 정확하고 세부적인 헤드폰은 수년 동안 제가 애용해 온 제품입니다. 편안하고 닫힌 후면 디자인을 사용하고 정확한 사운드, 신뢰할 수 있는 저음 응답, 놀라운 선명도를 제공합니다.

노트테이킹 장치

다음으로, 메모를 적을 도구가 필요한데, 노트패드, 노트북, 휴대전화 등이 있습니다.

여기서 중요한 점은 듣는 음악의 각 요소를 적어서 음악에 적극적으로 참여하는 것입니다.

저는 보통 MacBook의 '노트' 앱을 사용해서 트랙에서 들을 수 있는 모든 내용을 요점으로 적습니다.

분석 과정

#1 트랙 듣기

분석 과정의 첫 번째 단계는 적극적 청취 입니다 .

분석하려는 노래를 듣는 데 상당한 시간을 할애하는 것은, 비록 당신이 그 노래를 그렇게 좋아하지 않더라도, 엄청나게 중요합니다.

다시 한번 말씀드리지만, 청취 경험이 최적화되도록 하려면 듣고 있는 트랙의 가장 미묘한 디테일까지 재생할 수 있는 고품질 헤드폰을 사용하세요.

노래를 적극적으로 들으면 특정 요소가 어떻게 그리고 왜 사용되는지, 어떻게 활용되는지에 대해 훨씬 더 깊이 이해할 수 있습니다.

예를 들어, 드럼에만 세심한 주의를 기울여 첫 번째 청취를 시작할 수 있습니다. 어떤 종류의 드럼 요소가 사용되고 있는지, 노래가 어떤 종류의 패턴을 사용하고 있는지 살펴보세요.

아직 너무 깊이 파고들지 마세요 . 진행하면서 다음과 같은 몇 가지 일반적인 질문을 자문해 보세요.

• 멜로디와 코드 진행은 어떤 기분인가요?
• 리듬과 템포가 부드러운지, 활기찬지, 아니면 그 중간인가요?
• 이 노래는 전반적으로 어떤 구조를 가지고 있나요?
• 어떤 요소가 눈에 띄나요? 그리고 노래에서 다양한 요소가 어떻게 사용되나요?
• 모티브가 있나요?

저는 노래를 처음 들을 때의 첫 인상에 대한 메모를 하는 것을 매우 지지합니다. 감정적 반응을 불러일으키는지 여부를 고려하세요.

해당 트랙을 들으면 어떤 느낌이 드는지 대략적으로 알게 되면 다음 부분으로 넘어갈 수 있습니다.

#2 템포와 키 파악하기

다음으로, 노래의 키와 템포를 결정해야 합니다. 이는 노래의 전반적인 성격과 감정적 영향에 큰 역할을 하는 중요한 요소 입니다.

우선, 다른 키는 다른 감정적 반응을 만들어낼 수 있습니다. 예를 들어, 장조는 종종 행복감이나 낙관주의를 전달하는 반면, 단조는 슬픔이나 성찰과 같은 감정을 불러일으키는 경향이 있습니다.

키는 감정적 영향을 넘어 노래의 음표와 코드가 어떻게 화성적으로 관련되어 있는지 알려줄 수도 있습니다. 멜로디와 화성이 회전하는 토닉이라고 알려진 음조 중심을 확립합니다. 키를 이해하면 음악가가 노래의 코드 진행, 즉흥 연주 및 멜로디 개발을 효과적으로 탐색할 수 있습니다. 일관성과 음악적 구조에 대한 감각을 제공합니다.

노래의 키를 찾는 방법에는 여러 가지가 있습니다.

• 토닉 노트를 들어보세요 : 대부분의 노래는 "홈" 노트를 중심으로 돌아가며, 이는 무형의 해결 감각을 제공합니다. 토닉 노트는 일반적으로 키에 대한 통찰력을 제공합니다.
• 코드 진행 식별하기 : 이에 대해서는 나중에 더 자세히 다루겠지만, 노래의 코드 진행을 분석하면 키를 결정하는 데도 도움이 된다는 점을 알아두는 것이 중요합니다.
• Look It Up : 트랙에 따라 키에 대한 정보를 온라인에서 찾을 수 있습니다. Tunebat은 빠른 키 정보를 제공하는 제가 가장 좋아하는 웹사이트 중 하나입니다.

키를 알게 되면 템포를 알아낼 수 있습니다.

기본적으로 노래의 템포는 속도와 느낌을 정의합니다. 느낌은 꽤 모호하지만, 그루브에 대해 이야기할 때 자주 듣게 되는 일반적인 용어입니다.

템포가 어떻게 노래의 그루브와 모멘텀을 확립하고 감정적 품질을 향상시키는지 들어보세요.

#3 구조 탐색

세 번째 단계는 노래의 전반적인 구조를 탐구하는 것입니다.

'구조'란, 제가 말하는 것은 다양한 섹션의 배열과 조직입니다. 여러분은 이러한 다양한 섹션이 어떻게 서로 관련되어 전체 배열을 구성하는지 알고 싶어합니다.

먼저, 들은 부분을 각각 적어 보세요.

저는 종종 트랙을 DAW(Pro Tools)로 임포트해서 이 작업을 합니다. 이렇게 하면 타임라인에 마커를 사용하여 섹션을 구분할 수 있습니다. 또한 트랙의 특정 섹션을 루프할 수 있으므로 나중에 다른 요소를 듣는 것도 더 쉬워집니다.

대부분의 인기곡은 몇 개의 뚜렷한 섹션으로 구성되어 있습니다.

예를 들어, 일반적인 팝송은 다음과 같습니다.

• 소개
• 절
• 합창
• 절
• 합창
• 다리
• 합창
• 아웃트로

물론, 팝 음악 영역을 벗어나 재즈, 블루스, 하우스 음악과 같은 비전통적 장르 형식으로 넘어가면 그 구조가 크게 바뀔 수 있습니다.

어떤 장르를 분석하든 이 과정에서 꼭 기억해야 할 몇 가지 사항이 있습니다.

• 테마 찾기 : 가장 먼저 알아내야 할 것은 노래 전체에 반복되는 섹션이나 음악 구절이 있는지입니다. 사람들은 종종 이것을 '모티프'라고 부릅니다. 음악에서 모티프는 친숙함을 만들고 핵심 음악적 아이디어를 강화하는 섹션이나 구절입니다.
• 역동적인 변화를 고려하세요 : 섹션마다 주요 역동적인 변화가 있습니까? 역학은 볼륨과 관련이 있습니다. 대부분의 위대한 음악은 긴장과 해방을 만들어내는 구조적 변화와 일치하는 역동적인 변화를 가지고 있습니다.
• 전환을 들어보세요 : 노래가 한 섹션에서 다른 섹션으로 어떻게 이동하는지 주의하세요. 전환에 대한 문제는 항상 명확하지 않다는 것입니다. 일부 노래는 매우 매끄럽게 전환되는 반면, 다른 노래는 FX, 드럼 필, 키 변경 또는 변조와 같은 특정 음악적 신호를 사용하여 섹션에서 섹션으로 이동합니다.

Verse-Chorus, ABAB, AABA 등 일반적인 노래 구조에 익숙해지는 것이 좋습니다.

#4 코드 진행 분석

키와 템포와 마찬가지로, 노래에 사용되는 코드 진행은 감정적 특성을 표현하는 또 다른 도구입니다.

코드 진행이 어떻게 작동하는지 진정으로 파악하려면 음악 이론에 대한 적절한 이해가 필요합니다. 다른 곳에서 음악 이론을 설명하는 기사가 많이 있으므로 지금은 너무 깊이 들어가지 않겠습니다.

그러나 우리가 코드 진행을 분석하는 가장 중요한 두 가지 이유는 화성 구조를 이해 하고 반복되는 패턴이나 모티브를 발견하는 것입니다.

화성 구조는 노래의 맥락에서 코드가 어떻게 구성되고 서로 관련되어 있는지 알려줄 수 있습니다. 노래는 또한 모티프를 만들기 위해 반복되는 패턴이나 코드 진행을 특징으로 합니다. 코드 진행을 면밀히 분석하면 작곡가가 이러한 모티프를 사용하여 친숙함을 만드는 방법에 대한 아이디어를 얻을 수 있습니다.

그렇다면 트랙의 코드 진행을 어떻게 분석할까요?

노래를 주의 깊게 듣고 각 코드를 식별하고, 진행하면서 적어 두는 것으로 시작할 수 있습니다. 저는 종종 루트 음표 와 코드의 품질 (장조, 단조, 감소 등)에 집중하면서 시작할 것입니다.

제가 개인적으로 가장 좋아하는 키 결정 웹사이트 중 하나이며, 음악 이론 초보자에게 자주 추천하는 사이트는 Name That Key 입니다 . 사이트의 키 생성기에 일련의 코드를 입력하면 어떤 키인지 알려줍니다.

#5 가사 분석하기

가사는 마음과 영혼의 음악입니다. 그리고 작가들에게는 예술적 표현을 위한 주요 도구입니다.

어떤 곡의 가사를 자세히 살펴보면, 그 예술적 표현을 형성하는 데 독특한 주제와 문학적 기법이 사용된 것을 종종 발견할 수 있습니다.

선택한 노래를 들으면서 가사를 따라가는 걸 추천해요.

다행히도, 대부분 인기 있는 노래 가사는 Genius나 AZ Lyrics 같은 사이트에서 찾을 수 있습니다.

노래가 어떤 내러티브를 따르고 있는지, 작곡가가 계속해서 떠올리는 반복적인 아이디어가 있는지 살펴보세요.

중요한 점은 가사가 문자적일 수도 있고 비유 적일 수도 있다는 것입니다 .

문자적 가사는 직설적이어서 우리에게 이야기되는 이야기와 관련된 캐릭터에 대한 명확한 창을 제공합니다. 반면에 은유, 비유, 의인화 또는 상징주의를 사용하는 비유적 가사는 종종 더 주관적이며 의미를 강화하거나 감정을 불러일으키는 데 사용됩니다.

가사를 해석하고 분석할 수 있는 방법은 너무나 많지만 , 제가 종종 가장 도움이 된다고 생각하는 한 가지는 작가의 의도를 파악하는 것입니다. 그들은 어떤 청중을 위해 노래하고 있습니까? 노래가 어떤 문화나 맥락과 관련이 있습니까?

#6 믹스 분석

믹스를 분석하려면 신중한 오디오 분석이 필요합니다. 주파수 스펙트럼 분석기나 스테레오 폭 시각화기와 같은 도구를 사용하면 도움이 될 수 있지만, 귀가 가장 중요한 도구입니다.

그렇게 말하면서, 트랙의 믹스를 시각화할 수 있는 것도 마찬가지로 중요한데, 그것은 우리의 감각을 연결하고 배치에 대한 더 나은 이해를 제공하기 때문입니다. 데이비드 깁슨은 "믹싱의 기술"이라는 책을 썼고, 아래 이미지는 다양한 음악적 요소와 다양한 악기가 믹스에 어떻게 자리 잡고 있는지에 대한 상징적인 시각화입니다.

혼합물을 분석할 때 고려해야 할 몇 가지 요소가 있습니다.

1. 볼륨 레벨 : 일부 음악 요소는 다른 요소에 비해 얼마나 큰가요?
2. 주파수 콘텐츠 : 믹스의 주파수 스펙트럼은 음악 작품의 저주파, 중주파, 고주파의 균형을 나타냅니다.
3. 스테레오 이미지 : 스테레오 이미지와 사운드 스테이지는 믹스의 수평 배열의 일부로, 스테레오 필드 전체에서 악기와 보컬의 배치와 너비를 알려줍니다.
4. 다이나믹스 : 다이나믹스를 사용하면 믹스의 특정 부분이 얼마나 크거나 부드러운지, 그리고 가장 큰 부분과 가장 부드러운 부분의 차이를 볼 수 있습니다. 어떤 노래는 압축을 많이 사용하는 반면, 다른 노래는 더 큰 다이나믹을 허용합니다.
5. 톤 : 각 음악 요소의 눈에 띄는 음색적 품질은 무엇입니까? 보컬은 밝습니까 아니면 어둡습니까? 드럼, 베이스, 기타는 어떻습니까? 주파수 분석기를 사용하면 이와 관련하여 도움이 될 수 있습니다.

위에서 언급한 특징이 가장 중요하게 고려해야 할 사항이긴 하지만, 믹스에서 얼마나 선명도와 분리도가 높은지, 어떤 종류의 효과가 어떻게 사용되는지도 주의 깊게 살펴보고 싶을 수 있습니다.

#7 마스터 분석

트랙 분석의 마지막 단계는 마스터링 과정입니다.

마스터를 분석할 때 오로지 귀에만 의존하면 어려울 수 있기 때문에, 시각적 도구, 스테레오 폭 벡터스코프, LUFS 미터를 활용하는 것이 좋습니다.

LUFS는 "Loudness Units Full Scale"의 약자로, 시간에 따른 평균 음량을 살펴보는 업계 표준입니다.

LUFS를 의미화하는 데 제가 가장 좋아하는 도구 중 하나는 iZotope Insight 2인데, 이 도구는 스테레오 폭과 주파수 스펙트럼에 관한 유용한 정보도 제공합니다.

마지막 생각

이 시점에서는 음악을 제대로 분석하는 방법에 대한 좋은 생각이 있을 것입니다. 다음 단계는 좋아하는 노래에서 음악 분석을 가져와 자신의 음악에 구현하는 것입니다. 기본 드럼 패턴 요소에서 믹스 처리에 이르기까지 음악 분석 프로세스 중에 밝혀야 할 것이 너무 많고, 이에 접근하는 특정 방법은 없습니다. 재미있게 즐기고 궁극적으로 더 나은 음악 창작으로 이어질 탐험의 연습으로 여기세요.

 

 

 

 

 

 

 

 

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